1. Art CenterMuzyka Co to jest teoria muzyki?

Michael Pilhofer

Jedną z najważniejszych rzeczy, o których należy pamiętać w teorii muzyki, jest to, że muzyka była na pierwszym miejscu. Muzyka istniała przez tysiące lat, zanim pojawiła się teoria wyjaśniająca, co ludzie starali się osiągnąć, waląc w bębny.

Więc nigdy nie myśl, że nie możesz być dobrym muzykiem tylko dlatego, że nigdy nie chodziłeś na zajęcia teoretyczne. W rzeczywistości, jeśli jesteś dobrym muzykiem, prawdopodobnie znasz już dużo teorii. Po prostu możesz nie znać terminologii lub szczegółów technicznych.

teoria muzyki na klawiaturze

Pojęcia i reguły, które składają się na teorię muzyki, są bardzo podobne do reguł gramatycznych rządzących językiem pisanym (które pojawiły się również po tym, jak ludzie z powodzeniem odkryli, jak ze sobą rozmawiać). Podobnie jak możliwość transkrypcji języka umożliwiła ludziom z daleka „słyszeć” rozmowy i historie zgodnie z zamierzeniami autora, możliwość transkrypcji muzyki pozwala muzykom czytać i odtwarzać kompozycje dokładnie tak, jak zamierzał kompozytor.

Nauka czytania muzyki przypomina naukę nowego języka, do tego stopnia, że ​​biegła osoba może „usłyszeć” muzyczną „rozmowę” podczas czytania nuty.

Wiele osób na świecie nie umie czytać ani pisać, ale nadal mogą wyrażać swoje myśli i uczucia słownie. W ten sam sposób wielu intuicyjnych, samouków muzyków nigdy nie nauczyło się czytać ani pisać muzyki, a cała idea nauki teorii muzyki była uciążliwa i niepotrzebna. Jednak podobnie jak postęp edukacyjny związany z nauką czytania i pisania, teoria muzyki może pomóc muzykom opanować nowe techniki, wykonywać nieznane style muzyczne i rozwinąć pewność siebie, której potrzebują, aby wypróbować nowe rzeczy.

Odkrywanie początków teorii muzyki

Z tego, co mówią historycy, do czasu, gdy świat starożytny zaczął się osiedlać - około 7000 lat p.n.e. - instrumenty muzyczne osiągnęły już złożoność projektowania, które można by przenieść do teraźniejszości. Na przykład niektóre flety kostne znalezione w tym okresie są nadal odtwarzane, a na nich nagrano krótkie występy, które mogą usłyszeć nowi słuchacze.

Podobnie piktogramy i ozdoby pogrzebowe pokazały, że do 3500 r.p.n.e. Egipcjanie używali harf, a także klarnetów, lirów i własnej wersji fletu. Do 1500 roku pne Hetyci z północnej Syrii zmodyfikowali tradycyjny egipski projekt lutni / harfy i wynaleźli pierwszą gitarę dwu strunową z długą, progową szyjką, kołkami do strojenia na szyi i pustą płytą rezonansową w celu wzmocnienia dźwięk szarpanych strun.

Pozostaje wiele pytań bez odpowiedzi na temat muzyki starożytnej, na przykład dlaczego tak wiele różnych kultur wymyśliło tak wiele cech tonalnych w swojej muzyce całkowicie niezależnych od siebie. Wielu teoretyków doszło do wniosku, że pewne wzory nut brzmią dobrze dla słuchaczy, a niektóre inne nie. Teorię muzyki można zatem po prostu zdefiniować jako poszukiwanie tego, jak i dlaczego muzyka brzmi dobrze czy źle. Innymi słowy, celem teorii muzyki jest wyjaśnienie, dlaczego coś zabrzmiało w taki sposób, jak to zrobiło i jak ten dźwięk można ponownie wytworzyć.

Wiele osób uważa starożytną Grecję za miejsce narodzin teorii muzyki, ponieważ starożytni Grecy założyli całe szkoły filozoficzne i naukowe oparte na analizie każdego znanego wówczas aspektu muzyki. Nawet Pitagoras (trójkąt) zaczął grać, tworząc 12-tonową skalę oktawy podobną do tej, którą muzycy i kompozytorzy używają do dziś. Zrobił to poprzez pierwszy Krąg Piątych, urządzenie nadal religijnie używane przez muzyków z różnych środowisk.

Inny znany grecki naukowiec i filozof, Arystoteles, jest odpowiedzialny za wiele książek o teorii muzyki. Zaczął podstawową formę notacji muzycznej, która była używana w Grecji i późniejszych kulturach przez prawie tysiąc lat po jego śmierci.

W rzeczywistości w starożytnej Grecji położono tak wiele podstaw teorii muzyki, że znaczne zmiany nie wydawały się konieczne aż do europejskiego renesansu prawie 2000 lat później. Sąsiedzi i zdobywcy Grecji z radością włączali grecką matematykę, naukę, filozofię, sztukę, literaturę i muzykę do swoich kultur.

Podstawy teorii muzyki

Byłoby miło być jednym z tych ludzi, którzy mogą usiąść przy dowolnym instrumencie i grać piękną muzykę bez żadnego szkolenia, większość ludzi potrzebuje ustrukturyzowanych instrukcji, czy to od nauczyciela, czy po przeczytaniu książki. Tutaj omawiamy podstawowe informacje, których potrzebujesz, aby nauczyć się czytać muzykę, grać w skalach, rozumieć kluczowe podpisy, budować akordy i komponować z formularzami.

Podstawa: zauważa, odpoczywa i bije

Nauka czytania muzyki jest niezbędna dla muzyka, zwłaszcza takiego, który chce dzielić się swoją muzyką z innymi muzykami lub odkryć, co grają inni muzycy. Studiując podstawowe elementy, takie jak wartości czasowe każdego rodzaju zapisanej nuty, pauzy muzyczne, sygnatury czasowe i rytm, wkraczasz na ścieżkę do opanowania muzyki. Wszystkie te elementy łączą się, tworząc fundament, który pozwala czytać, grać i studiować muzykę.

Manipulowanie i łączenie nut

Czytanie nut zarówno na pięciolinii, jak i kluczu basowym, a także znajdowanie nut na pianinie i gitarze - dwóch najczęstszych instrumentach, na których ludzie uczą się gry - ma kluczowe znaczenie dla tworzenia i studiowania muzyki.

Kiedy możesz czytać nuty na pięcioliniach, możesz określić podpis klucza utworu muzycznego, który jest grupą symboli, która informuje, w jakim kluczu jest napisana piosenka. Możesz użyć Kręgu Piątych, aby nauczyć się czytać kluczowe podpisy na widok, licząc ostre lub płaskie w metrum.

Po zapoznaniu się z kluczowymi podpisami możesz przejść do interwałów, akordów i progresji akordów, które tworzą złożoność muzycznego dźwięku - od przyjemnego i kojącego po napięty i wymagający rozdzielczości. Skale i akordy budujesz przy użyciu prostych lub złożonych interwałów: melodycznego i harmonicznego.

Łączenie klawiatury z notacją muzyczną

Przed okresem renesansu w technologii muzycznej zaszło niewiele naprawdę innowacyjnych zmian. Instrumenty strunowe, instrumenty dęte drewniane, rogi i instrumenty perkusyjne istniały już od tysięcy lat i chociaż doświadczyły wielu ulepszeń w projektowaniu i technice gry, były to zasadniczo te same instrumenty, których używali ludzie starożytnych kultur. Dopiero w 1300 roku pojawił się nowy interfejs muzyczny: klawiatura.

Wraz z wynalezieniem klawiatury powstał początek nowoczesnej notacji muzycznej - muzyki pisanej. Połączenie notacji z klawiaturą zostało ułatwione ze względu na łatwość komponowania dla pełnych orkiestr na klawiaturze. Ponadto większość nowo zleconych prac została stworzona dla instrumentów klawiszowych ze względu na postrzeganie klawiatury jako instrumentu doskonałego.

Piętnastowieczni francuscy kompozytorzy zaczęli dodawać tyle linii, ile potrzebowali do swoich pięciolinii. Napisali także muzykę z wieloma pięcioma pięcioma granymi jednocześnie na różnych instrumentach. Ponieważ klawiatura ma tak wiele dostępnych nut, zaczęto używać oddzielnych pięciolinii do gry na lewą i prawą rękę. Te pięciolinie to klucz basowy i klucz wiolinowy.

Klawiatury miały również tę zaletę, że były niezwykle łatwe do budowania akordów. W XVII wieku pięcioramienna kadra była uważana za standard dla większości instrumentów muzycznych - prawdopodobnie dlatego, że wydrukowanie tylko jednego rodzaju nuty dla muzyków było łatwiejsze i tańsze. System niewiele się zmienił w ciągu ostatnich czterech wieków i prawdopodobnie nie zmieni się ponownie, dopóki nie pojawi się nowy, bardziej atrakcyjny interfejs instrumentów.

Forma muzyczna i kompozycje

Najpopularniejszą i klasyczną muzykę komponuje się w określonych formach. Forma to schemat strukturalny służący do tworzenia określonego rodzaju muzyki. Elementy składowe formy obejmują muzyczne frazy i okresy, a rytm, melodia i harmonia wchodzą w obraz, aby stworzyć gatunek lub styl utworu muzycznego.

Siedząc, aby pisać muzykę, musisz wybrać formę, którą zamierzasz zastosować; na przykład klasyczny lub popularny. Możesz wybierać spośród wielu różnych klasycznych i popularnych form, w tym sonat, koncertów, 16-taktowego bluesa i formy refrenowej. Możesz tworzyć zróżnicowane brzmienie w dowolnej formie, grając z tempem, dynamiką i kolorem brzmienia instrumentu.

Jak teoria może pomóc twojej muzyce

Jeśli nie wiesz lepiej, możesz pomyśleć, że muzyka może zaczynać się od dowolnej nuty, iść gdziekolwiek zechce i przestać, gdy wykonawca ma ochotę wstać na szklankę mrożonej herbaty. Chociaż prawdą jest, że wielu ludzi uczestniczyło w występach muzycznych, które w rzeczywistości wykonują ten styl „kompozycji”, w większości są one mylące i denerwująco pobłażliwe i wydają się trochę bezcelowe.

Jedynymi ludźmi, którzy potrafią dobrze spontanicznie zagrać, są ci, którzy znają muzykę na tyle dokładnie, aby układać akordy i nuty obok siebie, aby miały sens dla słuchaczy. A ponieważ muzyka jest z natury formą komunikacji, celem jest łączenie się ze słuchaczami.

Niezwykle inspirujące jest również poznanie teorii muzyki. Nic nie może opisać uczucia, które odczuwasz, gdy żarówka gaśnie w twojej głowie i nagle zdajesz sobie sprawę, że możesz połączyć 12-taktową progresję bluesa i zbudować z niego naprawdę dobrą piosenkę. Lub kiedy możesz spojrzeć na utwór muzyki klasycznej i nie możesz się doczekać, aby po raz pierwszy go zagrać. Lub po raz pierwszy usiądziesz, aby zagrać z przyjaciółmi i odkryjesz, że masz pewność, aby przejąć inicjatywę.

Jako muzyk, nieuniknionym faktem jest to, że czerpiesz z muzyki to, co w nią wkładasz. Jeśli chcesz być w stanie grać muzykę klasyczną, musisz wiedzieć, jak czytać wzrok i wiedzieć, jak utrzymywać stały rytm. Jeśli planujesz zostać gitarzystą rockowym, szczególnie ważna jest znajomość nut, które musisz zagrać na danym klawiszu. Umiejętność odtwarzania muzyki wymaga dużej dyscypliny osobistej, ale w końcu jest warta ciężkiej pracy. Plus, oczywiście, odtwarzanie muzyki jest fajne, a umiejętność dobrego odtwarzania muzyki jest niesamowicie przyjemna. Wszyscy kochają gwiazdę rocka / jazzowego / Mozarta.

  1. Art CenterMuzyka Teoria muzyki: popularne gatunki i formy

Michael Pilhofer

Dyskusja na temat formy podczas mówienia o muzyce popularnej jest trudna, ponieważ termin ten jest często niewłaściwie używany. Pomyśl o formie jako o szczególnym sposobie konstruowania utworu muzycznego, z zasadami rządzącymi konstrukcją tego rodzaju muzyki. Gatunek natomiast odnosi się do stylu utworu, takiego jak zastosowane instrumentarium, ogólny ton muzyki i tak dalej.

Jednak niektóre popularne współczesne gatunki muzyczne są wystarczająco długo, aby można było zobaczyć konkretne wzorce w ich ogólnej konstrukcji. Te gatunki są

  • Blues Folk / rock / pop Muzyka pop Jazz

Feeling the Blues

Blues jest pierwszą prawdziwie amerykańską muzyką ludową (oprócz wyjątkowej muzyki, którą rdzenni Amerykanie mieli przed inwazją europejską). Struktura bluesa jest wspólnym przodkiem niemal wszystkich innych konstrukcji amerykańskiej muzyki popularnej i ma wpływ na cały świat. Na przełomie XIX i XX w. Wrzask polowy, muzyka kościelna i afrykańskie instrumenty perkusyjne połączyły się w coś, co jest obecnie znane jako blues. W 1910 r. Słowo „blues” opisujące tę muzykę było w powszechnym użyciu.

Muzyka bluesowa wykorzystuje utwór lub trójskładnikową formę w trzech częściach zgodnych ze wzorem AABA akordów I, IV i V w danej skali. Sekcja B jest mostem, kontrastującą sekcją, która przygotowuje słuchacza lub wykonawcę do zwrotu oryginalnej sekcji A. (Wiele osób narzeka, że ​​muzyka rockowa używa tylko trzech akordów: akordów I, IV i V. Cóż, wszystko zaczęło się od bluesa!)

Blues jest prawie zawsze grany w czasie 4/4, z rytmem wybijanym albo w regularnych ćwierćnakach, albo w ósmych nutach, z mocnymi akcentami nadanymi zarówno w pierwszym, jak i trzecim takcie każdego taktu.

Najpopularniejsze rodzaje utworów bluesowych to blues z 12 taktami, blues z 8 taktami, blues z 16 taktami, blues z 24 taktami i blues z 32 taktami. „Pasek” odnosi się do liczby taktów zastosowanych w każdym stylu bluesa. Jeśli jesteś w nastroju bluesowym, zapoznaj się z następującymi sekcjami, aby uzyskać więcej informacji na temat typowych piosenek bluesowych.

12-taktowy blues

Nazwa jest dość oczywista: w 12-taktowym bluesie masz 12 taktów lub taktów muzyki do pracy. W każdym wersecie 12-taktowego bluesa (możesz mieć tyle wersetów, ile chcesz, ale zwykle 12-taktowa kompozycja bluesowa ma trzy lub cztery), trzeci segment 4-taktowy rozwiązuje poprzednie 4 takty. Rozdzielczość lub zakończenie akordu I na końcu wersetu może sygnalizować koniec utworu. Lub, jeśli 12 takt jest akordem V, rozdzielczość akordu I sygnalizuje, że wracasz na początek utworu, aby powtórzyć przejście do kolejnego wersetu. Jeśli utwór przejdzie do nowego wiersza, akord V na końcu utworu nazywa się zwrotem.

Najczęściej używany wzór - czytany od lewej do prawej, zaczynając od góry i pracując w dół - dla 12-taktowego bluesa wygląda następująco:

Więc jeśli grasz 12-taktową piosenkę bluesową w tonacji C, zagrałbyś ją w ten sposób:

Jeśli potrafisz uderzać w te akordy w tej kolejności, masz gołe kości klasycznego utworu Muddy Watersa „Nie możesz stracić tego, czego nigdy nie miałeś”. Zmień akord toniczny (I) na A (AAAA DDAA EDAE / A ) i masz „Crossroads Blues” Roberta Johnsona.

Jeśli grasz 12-taktowego bluesa w tonacji pomniejszej, oto wspólny wzór:

Słynna i bardzo lubiana wersja hrabiego Basie na 12-taktowy blues zawiera elementy zarówno głównych, jak i mniejszych klawiszy, jak pokazano tutaj:

8-taktowy blues

8-taktów bluesa jest podobny do 12-taktów bluesa - ma po prostu krótsze zwrotki i nieco inne powszechne użycie progresji akordów. Oto standardowy wzorzec stosowany dla bluesa 8-taktowego:

16-taktowy blues

Inną odmianą podstawowego 12-taktowego bluesa jest 16-taktowy blues. Tam gdzie 8-taktowy blues jest o cztery takty krótszy niż 12-taktowy blues, 16-taktowy blues, jak można się domyślać, jest o wiele dłuższy.

16-taktowy blues wykorzystuje tę samą podstawową strukturę wzoru akordowego jak 12-taktowy blues, z 9 i 10 taktami podanymi dwukrotnie:

24-taktowy blues

24-taktowa progresja bluesa jest podobna do 12-taktowej tradycyjnej progresji bluesa, z tym wyjątkiem, że każda progresja akordu jest podwojona, tak jak poniżej:

32-taktowe ballady bluesowe i country

32-taktowy wzór bluesa to prawdziwe korzenie muzyki rockowej i jazzowej. Ta rozszerzona wersja 12-taktowego wzoru bluesa ma strukturę AABA, zwaną również formą piosenki, przyjętą przez zespoły rockowe w latach 60. Wzorzec jest również określany jako Model SRDC: Oświadczenie (A1), Przekształcenie (A2), Odlot (B) i Wniosek (A3).

Typowy 32-taktowy układ bluesa może wyglądać mniej więcej tak:

Kiedy został stworzony, 32-taktowy blues nie był tak popularny wśród „prawdziwych” wykonawców bluesowych jak 12-taktowa struktura, częściowo dlatego, że nie działał tak dobrze z krótką formą liryzmu typu „zadzwoń i odpowiedz” oznaczało to bluesa. Działa to jednak dobrze dla gatunku muzyki country, a Hank Williams (Sr.) zastosował tę konstrukcję w utworach takich jak „Your Cheating Heart” i „I'm So Lonesome (I Could Cry)”. Freddy Fender zastosował tę strukturę w jego hity „Zmarnowane dni i zmarnowane noce” oraz „Zanim spadnie następna łza”.

Jednak kiedy ta szczególna struktura bluesowa została przejęta przez ludzi takich jak Irving Berlin i George Gershwin; wiele - być może całe - prawdziwego serca bluesa zniknęło z powstałej muzyki. 32-taktowy blues przeszedł w popularne piosenki, takie jak „Frosty the Snowman” i „I Got Rhythm”.

32-taktowy blues został także znacząco zmieniony przez interwencję innych klasycznie wyszkolonych kompozytorów, którzy pomieszali idee sonaty i ronda z tradycyjnym amerykańskim bluesem. Rezultatem było ostateczne stworzenie nie brzmiących na niebiesko piosenek, które wykorzystywały takie aspekty muzyki klasycznej, jak możliwość zmiany klawiszy podczas sekcji brydżowej utworu.

Zabawa z rockiem i popem

Większość wczesnych utworów rockowych i popowych ma strukturę 12-taktowego bluesa lub 32-taktowego bluesa (zobacz te sekcje wcześniej w tym rozdziale). „Johnny B. Goode” Chucka Berry'ego jest jedną z odmian 12-taktowej struktury bluesowej stosowanej w skale, podobnie jak „19 Nervous Breakdown” Rolling Stonesa. Chłopcy z plaży byli mistrzami struktury 32-taktowej, wykorzystując ją w takich utworach jako „Good Vibrations” i „Surfer Girl”. The Beatles również używali tej struktury w wielu swoich piosenkach, w tym „From Me to You” i „Hey Jude”. „Great Balls of Fire” Jerry'ego Lee Lewisa, The Righteous Brothers Lost You Loving Feeling ”i„ Whole Lotta Love ”Leda Zeppelina również korzystają z AABA 32-bar. W 32-taktowej muzyce pop muzyka jest podzielona na cztery 8-taktowe sekcje. Piosenki takie jak „Ain't Misbehavin” Fatsa Wallera i „It Don't Mean a Thing” Duke'a Ellingtona są zgodne z 32-taktową strukturą AABA, podczas gdy Charlie Parker zastosował podejście rondo (ABAC) do 32-taktowej odmiany piosenek takich jak „Ornitologia” i „Donna Lee”.

Złożony formularz AABA naprawdę powinien być nazywany formularzem AABAB2 (ale tak nie jest), ponieważ w tej formie, po zagraniu pierwszych 32 taktów, przechodzisz do drugiej sekcji mostu (B2), która odsyła cię z powrotem na początek utwór, aby powtórzyć oryginalne 32 takty utworu. The Beatles „I Want to Your Your Hand”, „Every Breath You Take” policji, „Boston Than a Feeling” Bostonu, a także Tom Petty i „Refugee” Heartbreakersa - wszystko w tym stylu. Forma ABAB) jest obecnie najczęściej używaną formą w muzyce rockowej i pop. Forma zwrotno-refrenowa jest zgodna ze strukturą dołączonych do niej tekstów. Możesz oczywiście napisać utwór instrumentalny, który ma ten sam wzór, co rockowy lub popowy utwór wersetowo-refrenowy, ale sama struktura ma swoją nazwę od sposobu, w jaki słowa w utworze pasują do siebie.

Piosenki refrenowe są ułożone w następujący sposób:

  • Wprowadzenie (I): Wprowadzenie wprowadza nastrój i zwykle ma charakter instrumentalny, chociaż czasem może zawierać recytację mówioną, jak w książce Prince's „Let's Get Crazy”. Wiersz (V): Wiersz rozpoczyna historię piosenki. Refren (C): Refren to najbardziej niezapomniany liryczny punkt piosenki - piosenka Wiersz (V): Kolejny wiersz kontynuuje historię. Refren (C): Drugi refren wzmacnia hak. Bridge (B): Bridge, który może być instrumentalny lub liryczny, zwykle występuje tylko raz w piosence i stanowi kontrast z powtarzaniem się zwrotek i refrenów. Refren (C): Ostatni refren powtarza oryginalny refren, aby zanikać, lub zatrzymuje się na akordzie I.

Typową strukturą rocka i popu, którą tu opisujemy, jest IVCVCBC. I podobnie jak w 12-taktowej strukturze bluesa, akordami z wyboru są akordy I, IV i V.

Tysiące, a może nawet miliony popularnych piosenek mają tę strukturę. Przykłady The Beatles „Ob-La-Di, Ob-La-Da”, „Sex Bomb” Toma Jonesa, „The Gambler” Kenny'ego Rogersa, „Poker Face” Lady Gagi i „Lose Yourself” Eminema są przykładami tej struktury we współczesnej muzyce pop. Naprawdę niesamowite jest to, jak różni się od siebie, czy to na podstawie tekstu, czy samej muzyki, jedna piosenka może brzmieć od drugiej.

Improwizacja z jazzem

Prawdziwym duchem jazzu zawsze była improwizacja, co utrudnia zidentyfikowanie faktycznej konstrukcji jazzu. Celem jazzu jest stworzenie nowej interpretacji ustalonego utworu (zwanego standardem) lub budowanie na ustalonym utworze muzycznym poprzez zmianę melodii, harmonii, a nawet metrum. To prawie tak, jakby jazz miał oderwać się od formy.

Najbliższym sposobem zdefiniowania budowy jazzu jest przyjęcie podstawowej idei wokalizacji bluesowej - wokali typu „zadzwoń i odbierz” - i zastąpienie głosów różnymi instrumentami tworzącymi jazzowe brzmienie: mosiądz, bas, perkusja (w tym fortepian ) i instrumentów dętych, a także późniejszej gitary elektrycznej. Na przykład w jazzu w Dixieland muzycy grają na zmianę główną melodię na swoich instrumentach, podczas gdy inni improwizują kontrermelodie lub kontrastujące melodie wtórne, które pojawiają się w tle.

Jedynym przewidywalnym elementem muzyki w gatunku jazzowym - z wyłączeniem free jazzu, w którym nie istnieją żadne prawdziwe dostrzegalne zasady, ale stosowana jest instrumentacja jazzowa - to rytm. Cała muzyka jazzowa, z wyjątkiem free jazzu, wykorzystuje czysty, regularny licznik i mocno pulsujące rytmy, które można usłyszeć w całej muzyce.

Kompozycje dwunastotonowe

Muzyka dwunastotonowa - znana również jako kompozycja seryjna - to technika kompozytorska wynaleziona przez austriackiego kompozytora Arnolda Schoenberga w 1921 r., Na którą duży wpływ wywarły atonalne kompozycje Beli Bartok i Igora Strawińskiego. Kompozycje dwunastotonowe oparte są na dwunastotonowej skali chromatycznej, w której każda nuta jest oddzielona od następnego o pół kroku, w przeciwieństwie do skali diatonicznej, którą jest skala ośmiostrumieniowa. Zabawną rzeczą w dwunastotonowych kompozycjach jest to, że pod warunkiem, że podążasz za wariantami wzorów zbudowanymi na pierwszym rzędzie, możesz przeskakiwać do różnych oktaw, aby zwiększyć zainteresowanie swoją kompozycją. Celem dwunastotonowej kompozycji jest wykorzystanie każdego tonu w skali chromatycznej przed powtórzeniem jakichkolwiek nut. Każda sekwencja dwunastu nut nazywana jest „rzędem tonów”, a dwunastotonowe kompozycje są w zasadzie odmianami pierwszego prezentowanego rzędu tonów.

Załóżmy, że twój rząd tonów zaczyna się na B naturalnym, a kończy na F naturalnym, jak pokazano.

Pierwszy wiersz (formularz P)

Po ułożeniu pierwszego rzędu tonów lub pierwszego rzędu (lub formy P) drugą odmianą może być odwrócenie oryginalnego wzoru, w którym ponownie zaczynasz od B natural, ale gdzie w pierwszym wzorze zrób pół kroku w dół na drugiej nucie, zamiast tego przejdź o pół kroku w górę na drugiej nucie. Nazywa się to formą inwersji lub formą I, jak widać tutaj. Zasadniczo we wszystkim, co zrobiłeś w pierwszym schemacie, w inwersji przyjmuje się odwrotne podejście, które prowadzi do F-naturalnej oktawy powyżej miejsca, w którym zacząłeś.

formularz inwersji

Innym sposobem ułożenia notatek jest tak zwany wzór wsteczny lub forma R. Tutaj zaczynasz od ostatniej nuty pierwszego rzędu tonów (F) i ponownie wyświetlasz całą linię do tyłu, kończąc na B, jak pokazano.

wzór wsteczny

Ostatnią często używaną formą, odwróceniem wstecznym (forma RI), jest wzięcie formy R i wykonanie dokładnie przeciwnych kroków, które wykonałeś we wzorze wstecznym. Tak więc poniżej, zaczynając od wysokiego F, schodzisz o trzy półtony (kończąc na D), co jest dokładnie odwrotne niż w przypadku formy R, gdzie zacząłeś na F i wzrósł o trzy połówki -tony do płaskiego A, jak pokazano.

Formularz inwersji wstecznej

Chociaż istnieje wiele innych możliwych kombinacji, są to trzy podstawowe techniki kompozytorskie stosowane w dwunastotonowych kompozycjach. Być może najbardziej znanym współczesnym kompozytorem dwunastotonowym / seryjnym jest Philip Glass, którego charakterystyczne dwunastotonowe kompozycje były szeroko stosowane w ścieżkach dźwiękowych do filmów, w tym North Star (1977), Candyman (1992), The Truman Show (1999) i The Godziny (2002).

  1. Centrum sztuki Muzyka Teoria muzyki: pięciolinia, klucze i nuty

Michael Pilhofer

Nuty i pauzy w muzyce są zapisywane na tym, co muzycy nazywają personelem muzycznym (lub pięciolinią, jeśli mówisz o dwóch). Trzon składa się z pięciu równoległych poziomych linii, zawierających cztery odstępy między nimi, jak pokazano.

Podstawowe pięciolinie

Notatki i pauzy zapisywane są na liniach i przestrzeniach pięciolinii. Konkretne nuty, które oznaczają poszczególne wiersze i miejsca, zależą od tego, który klucz zapisano na początku pięciolinii. Możesz natknąć się na dowolny z następujących kluczy (chociaż pierwsze dwa są najczęściej):

  • Potrójny klucz wiolinowy Klucz basowy Klucze C, w tym alt i tenor

Pomyśl o każdym kluczu jako wykresu wysokości lub tonów, pokazanych jako nuty wykreślone w czasie na pięciu liniach i czterech odstępach. Każdy ton lub ton ma swoją nazwę od jednej z pierwszych siedmiu liter alfabetu: A, B, C, D, E, F, G, A, B, C… i kontynuuje tę czynność w nieskończoność, powtarzając nazwy nut gdy wysokości powtarzają się w oktawach. Skoki wznoszą się w miarę przechodzenia od A do G, a co ósma nuta - w której powracasz do litery początkowej - oznacza początek nowej oktawy.

Poniższe sekcje podają więcej szczegółów na temat kluczy pojedynczo i razem (zwanych wspaniałą laską). Spoglądamy również na klucz C i kiedy możesz z nim krzyżować ścieżki.

Klucz wiolinowy

Klucz wiolinowy służy do nut o wyższych tonach. Zawiera nuty powyżej środkowego C na pianinie, co oznacza wszystkie nuty grane prawą ręką na pianinie. Na gitarze klucz wiolinowy jest zwykle jedynym, który kiedykolwiek czytałeś. Większość instrumentów dętych drewnianych, instrumentów z wysokim mosiądzem i skrzypiec przylega wyłącznie do klucza wiolinowego. Każdy instrument, który wydaje wysokie lub wysokie dźwięki, ma swoją muzykę zapisaną w kluczu wiolinowym.

Klucz wiolinowy jest czasem nazywany kluczem G. Zauważ, że kształt samego klucza wiolinowego przypomina stylizowany G. Pętla na kluczu wiolinowym okrąża również drugą linię na pięciolinii, którą jest nuta G, jak pokazano.

Klucz wiolinowy

Nuty znajdują się w kluczu wiolinowym na liniach i spacjach, w kolejności rosnącej wysokości, jak pokazano.

nuty wiolinowe

Klucz basowy

Na pianinie klucz basowy zawiera nuty o niższej wysokości, te poniżej środkowego C, w tym wszystkie nuty grane lewą ręką na pianinie. Muzyka jest zwykle zapisywana w kluczu basowym dla instrumentów o niższym wietrze, takich jak fagot, instrumentów o niższym mosiądzu, takich jak tuba, oraz instrumentów o niższych strunach, takich jak gitara basowa.

Inną nazwą klucza basowego jest klucz F. Kędzierzawy szczyt klucza częściowo otacza miejsce, w którym nuta F znajduje się na pięciolinii, i ma dwie kropki otaczające nutę F, jak pokazano. (Jeśli używasz swojej wyobraźni, wygląda to trochę jak kursywna litera F.)

F klucz wiolinowy

Nuty na kluczu basowym są ułożone w porządku rosnącym, jak pokazano.

nuty basowe

Wielki sztab i środek C.

Złóż klucz wiolinowy i basowy razem, a otrzymasz wspaniały pięciolinię, jak pokazano.

Wielki personel

Środkowe C znajduje się jedna linia pod kluczem wiolinowym i jedna linia nad kluczem basowym. Ale nie ma go w żadnym kluczu. Zamiast tego jest napisane w wierszu księgi. Linie księgi to linie zapisane nad kluczem basowym i poniżej klucza tonalnego, które są niezbędne do połączenia dwóch kluczy. Złóż wszystko razem, a nuty płynnie przechodzą z jednego klucza do drugiego bez żadnych przerw.

Klucze C: altowy i tenorowy

Czasami możesz spotkać zwierzę zwane kluczem C. Klucz C to ruchomy klucz, który można umieścić na dowolnej linii kostury. Linia, która biegnie przez środek klucza C, bez względu na to, która to linia, jest uważana za środkowe C, jak widać.

środkowy C.

Klucze C są preferowane w klasycznej notacji dla zakresów instrumentalnych unoszących się tuż nad lub tuż poniżej środkowej C. Zamiast konieczności ciągłego przełączania między czytaniem wysokich i niskich tonów, muzyk ma tylko jedną pięciolinię do czytania.

Klucze C były częściej używane, zanim nuty zostały znormalizowane i mogły łatwo pomieścić szeroki zakres tonów. Obecnie jedynymi powszechnie używanymi kluczami C są:

  • Klucz altowy: Umieszcza środkowy C na trzeciej linii pięciolinii; najczęściej używany do pisania muzyki altowej. Klucz tenorowy: Umieszcza środkowy C na następnej linii kostki; najczęściej używany do pisania muzyki na wiolonczelę, puzon i fagot.
  1. Art CenterMuzyka Teoria muzyki: liczenie za pomocą prostych sygnatur czasowych

Michael Pilhofer

Proste podpisy czasowe są najłatwiejsze do zliczenia, ponieważ jeden-dwa impulsy w utworze muzycznym są najbardziej naturalne dla słuchacza i wykonawcy. Cztery następujące wymagania wskazują, że metrum jest proste:

  • Każde uderzenie jest podzielone na dwa równe elementy. Jeśli pojedynczy rytm ma więcej niż jedną nutę, nuty te są zawsze grupowane razem, aby równać się jednemu taktowi. Ta cecha jest najbardziej oczywista, gdy stosuje się ją do ósmych i mniejszych nut. W prostym czasie dwie ósme nuty są zawsze połączone ze sobą kreską zwaną wiązką, podobnie jak cztery szesnaste nuty lub osiem trzydziestosekundowych nut. (Jeśli masz dwie szesnaste nuty i jedną ósmą nutę, te trzy nuty, które są równe jednemu taktowi, są również łączone razem.) Poniższy rysunek pokazuje postęp w sposobie, w jaki nuty są łączone razem w prostym czasie. Nuta, która otrzyma jeden takt, musi być nutą nie przerywaną. Kiedy odliczasz piosenkę w swojej głowie, liczysz tylko nuty, które można podzielić przez dwa. Zwykle oznacza to, że będziesz liczył ćwierćnuty, ale możesz także liczyć półnuty, całe nuty, a czasem ósme.

Na przykład za 4/4 w twojej głowie będziesz odliczać „jeden-dwa-trzy-cztery” w kółko. Za 3/4 będzie to „raz-dwa-trzy” w kółko; za 2/4, „jeden-dwa”.

  • Najwyższej liczby nie można podzielić przez 3, z wyjątkiem sytuacji, gdy jest na przykład 3/4 i 3/8 są uważane za proste podpisy czasowe, podczas gdy 6/4, 6/8 i 9/16 nie są (ponieważ są podzielne przez 3; są to złożone sygnatury czasowe). Liczba uderzeń jest taka sama pod każdym względem. Każdy takt lub takt muzyki w prostym metrum ma taką samą liczbę uderzeń w całej piosence. Po tym, jak zaczniesz odliczać czas, nie musisz się martwić o nic, ale upewnij się, że nuty w utworze podążają za rytmem.
Proste sygnatury czasowe

W poniższych sekcjach wyjaśniono, jak używać mierników do liczenia w krótkim czasie i zapewnić ci trochę praktyki liczenia.

Używanie miar do liczenia w prostym czasie

Miary (lub takty) pomagają wykonawcom śledzić, gdzie są w utworze muzycznym i pomagają im zagrać odpowiedni rytm. W najprostszym czasie miarą jest miejsce, w którym można poczuć prawdziwy rytm utworu muzycznego, nawet jeśli po prostu czytasz utwór bez odtwarzania.

W prostym czasie nieco mocniejszy akcent jest kładziony na pierwszym takcie każdego taktu.

Oto kilka typowych przykładów prostych sygnatur czasowych (niektóre z nich opisujemy w poniższych sekcjach):

  • 4/4: Używany w muzyce popularnej, klasycznej, rockowej, jazzowej, country, bluegrass, hip-hop i house 3/4: Używany do walców oraz ballad country i westernów 2/4: Używany w polkach i marszach 3/8: Używany w walcach, menuetach i balladach country i westernu 2/2: Używany na marszach i powolnych procesjach

Licząc 4/4 czasu

Gdy zobaczysz linię muzyczną, która ma metrum 4/4, takie jak na poniższym rysunku, rytm jest liczony w następujący sposób:

JEDEN dwa trzy cztery JEDEN dwa trzy cztery JEDEN dwa trzy cztery

4/4 czasu

Dolna cyfra 4 w sygnaturze czasowej na rysunku informuje, że ćwierćnuta otrzymuje rytm, a górna cyfra 4 mówi, że każdy takt zawiera cztery uderzenia lub cztery ćwierćnuty.

Ponieważ czas 4/4 jest tak często wykorzystywany w popularnych rodzajach muzyki, jest często nazywany czasem wspólnym. W rzeczywistości, zamiast pisać „4/4” dla metrum, niektórzy kompozytorzy po prostu piszą duże „C”.

Licząc 3/4 czasu

Jeśli metrum linii muzycznej wynosi 3/4, jak na poniższym rysunku, rytm jest liczony w ten sposób:

JEDEN dwa trzy JEDEN dwa trzy JEDEN dwa trzy

3/4 czasu

Licząc 3/8 czasu

Jeśli metrum ma 3/8, pierwsza nuta w takcie - cokolwiek by to nie było - ulega niewielkiemu stresowi. Na tej ilustracji ta pierwsza nuta jest ósmą nutą.

3/8 czasu

Odliczasz rytm muzyki pokazanej na rysunku w następujący sposób:

JEDEN dwa trzy JEDEN dwa trzy JEDEN dwa trzy

Sygnatury czasowe 3/8 i 3/4 mają prawie dokładnie taką samą strukturę rytmu w sposobie liczenia taktu. Ponieważ jednak 3/8 używa ósmych nut zamiast ćwierćnuty, ósme nuty uzyskują rytm.

Odliczanie 2/2 czasu

Jeśli metrum linii to 2/2, zwane także czasem cięcia, półnuta otrzyma rytm. A ponieważ najwyższa liczba określa, że ​​takt zawiera dwa uderzenia, wiesz, że każdy takt ma dwie półnuty, jak pokazano.

2/2 czasu

Liczysz muzykę na poniższym rysunku:

JEDEN dwa JEDEN dwa

Sygnatury czasowe z 2 jako niższą liczbą były szeroko stosowane w muzyce średniowiecznej i przed średniowiecznej. Muzyka z tego okresu używała struktury rytmicznej, zwanej kaktusem - zwanej później minimem - opartej na rytmie rytmu serca człowieka.

Ćwiczenie liczenia uderzeń w prostym czasie

Korzystając z informacji z poprzednich części, poćwicz odliczanie uderzeń (nie notatek) pokazanych na poniższej serii rysunków. Licząc te beaty na głos, pamiętaj, aby dać pierwszy rytm niewielki nacisk. Aby podjąć wyzwanie, spróbuj stuknąć nuty, licząc uderzenia na głos.

Ćwiczenie 1

JEDEN dwa trzy cztery | JEDEN dwa trzy cztery | Jeden dwa trzy cztery

Proste ćwiczenie na czas pierwszy

Ćwiczenie 2

JEDEN dwa trzy | JEDEN dwa trzy | Raz Dwa Trzy

Proste ćwiczenie czasowe dwa

Ćwiczenie 3

JEDEN dwa trzy | JEDEN dwa trzy | Raz Dwa Trzy

Proste ćwiczenie czasowe trzy

Ćwiczenie 4

JEDEN dwa trzy | JEDEN dwa trzy | Raz Dwa Trzy

Proste ćwiczenie czasowe czwarte

Ćwiczenie 5

JEDEN dwa | JEDEN dwa | Jeden dwa

Proste ćwiczenie czasowe pięć
  1. Centrum sztuki Muzyka 10 ruchów muzycznych, które zmieniły historię

Michael Pilhofer

Trudność w zestawieniu listy Top 10 muzyki rewolucyjnej lub ruchów muzycznych polega na tym, że tak wiele tego, co współczesna cywilizacja zachodnia wie o muzyce rewolucyjnej, jest bardzo ograniczone. Historia jest pełna ludzi takich jak hiszpański ksiądz Diego de Landa, który poświęcił swoje życie zniszczeniu literatury i historii Majów, lub cesarz Jovian, który zniszczył wszystkie niechrześcijańskie teksty i partytury w Bibliotece Antiochicznej, czy Czyngis-chana, który słynie splądrował i zniszczył biblioteki Iranu i Iraku.

Poniższe można uznać jedynie za częściową listę niektórych rewolucyjnych technik, które zmieniły muzykę w ogóle, a także niektórych rewolucyjnych muzyki, które zmieniły świat.

800 AD - Anglia, śpiew gregoriański

Śpiew gregoriański może nie wydawać się rewolucyjną formą muzyki, ponieważ jego historia i zastosowanie są niemal nierozerwalnie związane z Kościołem rzymskokatolickim - nawet nazwano go od imienia papieża Grzegorza I, który jest znany z popularyzacji tej formy. Ponieważ jednak muzyka była tak ważną częścią nabożeństw kościelnych, a tak wiele cywilizacji Zachodu było pod wpływem tego, co było i nie było dozwolone przez wczesny Kościół, sensowne jest, że jego nadejście jest punktem wyjścia dla wielu muzycznych innowacji i rewolucje.

Śpiew gregoriański

Dawno temu, kiedy cała rozrywka była na żywo, jednym z wielu powodów, dla których wielu ludzi gromadziło się na nabożeństwach, była wartość rozrywkowa - na budowę średniowiecznych kościołów włożono dużo pracy i pieniędzy, w wyniku czego powstały ogromne, piękne budynki z niesamowitymi akustyka występów chóralnych. W IX wieku papież Grzegorz I zaczął zbierać hymny z mniejszych wiejskich kościołów i wybrał najlepsze z nich, które będą używane podczas standardowych nabożeństw w całej Europie. Ponieważ instrumenty muzyczne w tym czasie nie były dozwolone w Kościele, wszystkie zebrane hymny były wykonywane a cappella, zwykle przez chór złożony wyłącznie z mężczyzn. Podczas gdy większość teoretyków muzyki kwestionuje pogląd, że papież Grzegorz wymyślił gregoriański śpiew, dobrze wiadomo, że ten człowiek był prawdziwym miłośnikiem muzyki i poświęcił większość swojego życia na poszukiwanie, kolekcjonowanie i wprowadzanie muzyki do mas.

Cechą charakterystyczną chorału gregoriańskiego jest to, że wykonuje się monofoniczną a cappella. W muzyce monofonicznej pojedyncza linia muzyczna jest wykonywana jednym lub wieloma głosami, bez kontrastującej harmonii. Im więcej głosów złożysz w monofonię, tym głośniejsza jest muzyka wynikowa, a gdy używasz wielotonowych śpiewaków, ta pojedyncza linia zyskuje wielką głębię i rezonans. Krótko mówiąc, doskonale nadaje się do akustyki dużego, pustego wnętrza gotyckiej katedry.

Śpiew gregoriański był agresywnie promowany przez Kościół, a zwłaszcza przez Świętego Cesarza Rzymskiego Karola Wielkiego, który najwyraźniej był wielkim fanem tego stylu, wymagał od duchowieństwa śpiewania gregoriańskiego w ich służbie pod groźbą śmierci. Zanim papież Szczepan V doszedł do władzy w 885 r., Śpiew gregoriański rozprzestrzenił się po całej Anglii, Niemczech, Skandynawii, Islandii, Finlandii i wschodnich katolickich ziemiach Polski, Moraw i Słowacji.

Jednym z najważniejszych efektów ubocznych zbierania hymnów z tych małych wiejskich kościołów było uświadomienie sobie, że nie istniał znormalizowany sposób zapisywania muzyki, więc wszystkie piosenki, aby zachować je dla potomności, musiały zostać nagrane przy użyciu jakiś uniwersalny system. Ostatecznie te eksperymenty z transkrypcją muzyki doprowadziły do ​​wynalezienia przez biskupa Guido D'Arezzo solfege, który był pierwszym powszechnie stosowanym (i zrozumiałym) systemem notacji muzycznej w Europie po Imperium Rzymskim.

1100 AD - polifonia organiczna / europejska

Niedługo po wynalezieniu i szybkim rozprzestrzenianiu się solfege kompozytorzy - wciąż w większości elitarni członkowie Kościoła rzymskokatolickiego - mogli zacząć dodawać niewielkie harmoniczne zawijasy do melodycznej linii chorału gregoriańskiego. Ponieważ chociaż ludzie mogli śpiewać te harmoniczne zawijasy na własną rękę, większość śpiewaków wykonujących partyturę tego nie robi, a kiedy śpiewacy ci należą do XII-wiecznego chóru kościelnego, z pewnością to robią nie dodawaj tych wokalnych zawijasów. Rozkwity te nazywane są organum lub polifonią, co oznacza po prostu utwór muzyczny z więcej niż jedną częścią śpiewu - konkretnie melodią i harmonią. Niektóre z pierwszych eksperymentów z transkrybowanymi organami zostały spisane przez samego Guido D’Arezzo, co pokazuje, jak bardzo był pewny swojego nowego systemu uniwersalnej transkrypcji muzyki.

We wczesnej europejskiej polifonii stosowano kilka rodzajów narządów. Istnieje równoległy organum, w którym wszyscy członkowie chóru śpiewają te same nuty, ale wyrażane są w różnych oktawach. W wolnych organach, górne (najwyższe) i dolne (najniższe) głosy chóru mogą się różnić, w jaki sposób trzymają nutę, a silna środkowa część chóru przenosi melodię. W melismatycznym organum Notre Dame głos dolny może różnić się od melodii zarówno tonem, jak i rytmem, podczas gdy w organicznym melismatycznym St. Martial te wariacje wyrażane są w najwyższym głosie.

W kontekście muzyki współczesnej nie wydaje się to wielkim skokiem w stylu kompozytorskim, ale fakt, że te drobne rozkwity można teraz zapisać na kawałku nuty, aby inne chóry mogły niemal idealnie odtworzyć, był prawdopodobnie ogromną zachętą dla kompozytorów wymyślenie bardziej interesującej i skomplikowanej muzyki. Dobrze jest też, że mniej więcej w tym samym czasie, gdy D'Arezzo zaprezentował swój system solfege, witraże zostały udoskonalone, a Kościół zaczął instalować ogromne witraże w swoich katedrach, dzięki czemu wizyta w twoim kościele sąsiedzkim jest wydarzeniem zarówno wizualnym, jak i dźwiękowym.

1649 — Anglia, kopacze

Kopacze zaczęli jako grupa piętnastu protestanckich rolników i właścicieli ziemskich, którzy postanowili założyć własną gminę i odizolować się od reszty Anglii, szczególnie od potęgi monarchii i Kościoła anglikańskiego. Założyciele Quaker, Gerrard Winstanley, The Diggers (lub True Levellers, jak się je czasem nazywa) wierzyli w równość ekonomiczną i ścisłe wyrównywanie ładu społecznego. Są uważani za pierwszą europejską społeczność socjalistyczną / anarchistyczną po Imperium Rzymskim, i chociaż byli stosunkowo niewielką społecznością grupowych gospodarstw rozrzuconych po całej Anglii, wpływ ich pomysłów, a zwłaszcza ich muzyki, trwał o wieki dłużej niż zrobił.

W 1649 r. Kopacze założyli ogrody warzywne na wspólnej ziemi w Surrey i opublikowali ogłoszenia w okolicy, ogłaszając bezpłatne mięso, napoje i ubrania każdemu, kto dołączy do ich gminy i pomoże w pracy na wspólnej ziemi. Ich zamiarem było zgromadzenie wystarczającej liczby obywateli, aby przyłączyli się do Kopaczy i wnieśli swoje małe działki, aby cały teren stał się własnością prywatną. Ponieważ własność nieruchomości była równa władzy, sprawiłoby to, że Kopacze miały silny wpływ polityczny, więc władze lokalne wkroczyły i wypędziły Kopaczy z Surrey. Przez następne kilka lat mniejsze społeczności Digger pojawiały się w innych częściach Anglii, ale do 1651 roku ruch się skończył, głównie z powodu ingerencji rządu. Przeminęło, ale nie zostało zapomniane - ponad 300 lat później odgałęzienie mimów San Francisco nazywających się Diggerami rozbiło obóz w Golden Gate Park i rozdawało darmowe jedzenie, bezpłatne ubrania i głosili przechodniom o socjalizmie, anarchii i radość z agrarnego stylu życia.

Jednym z zaskakujących spadków krótkotrwałych Kopaczy jest ich hymn protestacyjny, skomponowany przez Winstanleya, zwany „Piosenką Kopaczy”. Hymn ten został przeniesiony przez Kwakrów do Nowego Świata, gdzie został przyjęty przez Amiszów, Mennonitów i innych agrarne grupy religijne, a później ruchy robotnicze w USA, Wielkiej Brytanii i Związku Radzieckim. Angielski piosenkarz Leon Rosselson nagrał hymn pod tytułem „You Noble Diggers All”, a popowy zespół Chumbawamba umieścił go w wydanym w 1988 roku wydaniu English Rebel Songs 1381–1914.

XVII wiek: Włochy, opera

Chociaż dzisiejsza opera jest prezentowana jako coś najbardziej docenianego przez elitarnych konsumentów muzyki, kiedy po raz pierwszy pojawiła się na scenie, była przeznaczona dla wszystkich. Tak jak starożytni Grecy mieli swój teatr, Rzymianie mieli swoje Koloseum, a elżbietańska Anglia miała swoje sztuki, 17-wieczni Włosi mieli swoją operę. Podczas gdy większość przedstawień operowych była początkowo odsłonięta w domach ich patronów - takich jak pierwsza uznana włoska opera Daphne, która została po raz pierwszy prywatnie pokazana w 1598 roku w majątku kompozytora Jacopo Corsi - po pierwszym występie można było zobaczyć i usłyszeć to samo opera wielokrotnie wykonywana w przestrzeniach w całych Włoszech. Lalkarze często opierali swoje akty na popularnych operach, odtwarzając miniaturowe show na żywo, ku uciesze dzieci i dorosłych. Cechą, która określa jakość opery, nie są kostiumy, scenografia czy jakość śpiewaków - chodzi o to, że śpiewany jest cały spektakl, a jeśli w spektaklu występują znaczące partie mówiące, to spektakl jest uważany za teatr muzyczny.

Mimo że opera była przeznaczona do powszechnego użytku, nie oznacza to, że jej twórcy, szczególnie opera włoska, nie mieli niewiarygodnie wysokich aspiracji do swoich kompozycji. Pierwotnym celem włoskiej opery było połączenie złożonej poezji z równie złożoną muzyką w celu poprowadzenia fabuły, aby uzyskać syntezę wszystkich popularnych gatunków rozrywki. W ten sposób opera naprawdę miała być dla każdego - miłośników świetnej muzyki, miłośników wielkiej literatury oraz miłośników pięknych scenografii i kostiumów. Nie ma żadnych zasad dotyczących tego, jaki rodzaj muzyki znajduje się w operze, dlatego jej podstawowa forma przetrwała setki lat i ewoluowała, tworząc spektakularne rockowe opery, takie jak „Jesus Christ Superstar” i komiczne, takie jak „The Mikado ”(I jego adaptacja do filmu„ The Cool Mikado ”).

1789-1799: Rewolucja francuska

Wielu uważa rewolucję francuską za narodziny nowoczesnej piosenki protestu, ponieważ wprowadzono piosenki, które można łatwo nauczyć i dostosować do tego, co się dzieje. W tych utworach łatwo było zamienić prawidłowe nazwy, a także konkretne wydarzenia i nazwy miejsc. Stworzyli idealną marszową piosenkę dla tłumów rewolucjonistów.

Być może najbardziej znaną z tych piosenek jest „La Carmagnole” z 1792 r., Uważana obecnie za oficjalną piosenkę rewolucji francuskiej. Nazwa pierwotnego kompozytora zaginęła, ale melodia, której często towarzyszą dzikie tańce, rozprzestrzeniała się jak pożar wśród francuskich klas chłopskich. Podczas rewolucji piosenka zamieniła się w okrzyk bojowy w bitwie pod Jemappes w 1792 r. Wraz z inną popularną piosenką „Marsylia”. W tym samym roku tysiące chłopów szturmowało paryski pałac Tuileries, śpiewając „La Carmagnole” („Idź, Louis, wielka kotuś / ze świątyni do wieży”), gdy zmusili Ludwika XVI i jego małżonków do ucieczki z pałacu.

Od rewolucji utwór „Marsylia” stał się hymnem narodowym Francji, często śpiewanym w połączeniu z utworem „La Carmagnole”.

1913 - Atonal Music i „Święto wiosny” Igora Strawińskiego

Muzyka atonalna to muzyka bez centrum tonalnego, co oznacza po prostu, że nie jest osadzona w żadnym tonie. Arnold Schoenberg, Béla Bartók, Igor Strawiński i Leon Kirchner to jedni z bardziej znanych kompozytorów klasycznej muzyki atonalnej, podczas gdy muzycy jazzowi, tacy jak Duke Ellington i Eric Dolphy, skomponowali wiele bezpłatnych utworów jazzowych bez centrum tonalnego.

Jednak na początku XX wieku klasyczna publiczność głównego nurtu prawie nie miała kontaktu z utworami atonalnymi. Bartók, choć obecnie uważany za wpływowego kompozytora atonalnego, był lepiej znany w czasach swojej świetności w poszukiwaniu i odtwarzaniu muzyki ludowej Europy Wschodniej, a większość jego atonalnych utworów słyszeli tylko ludzie, którzy aktywnie go szukali. Schoenberg był kolejnym kompozytorem atonalnym, uważanym obecnie za bardzo wpływowego, ale w czasie, gdy był profesorem w drugiej wiedeńskiej szkole muzycznej, znaczna część jego pracy w atonalności uważana była bardziej za ćwiczenie akademickie niż próbę tworzenia muzyki dla mas. W rzeczywistości deklarowanym celem komponowania muzyki atonalnej przez drugą szkołę wiedeńską było zwalczanie postrzeganego „kryzysu tonalności” w muzyce głównego nurtu.

Muzyka atonalna rozkwita w mrocznych scenach muzyki podziemnej uniwersytetów i galerii przez kilka dziesięcioleci, zanim Igor Strawiński rozwinął ją w publiczności już wstrząśniętej nadejściem I wojny światowej w premierze paryskiej 1913 jego najbardziej znanego dzieła orkiestrowego, „Święto wiosny”. Słynne przedstawienie spowodowało gwałtowne konfrontacje między klasą wyższą, która spodziewała się usłyszeć piękną, dostępną muzykę, a grupą „Bohemian”, która kochała wszystko i wszystko nowe, ponieważ tak bardzo nienawidzili status quo.

„Muzyka zawsze przechodzi do nuty obok tej, której się spodziewasz” - napisał jeden z rozdrażnionych krytyków tej nocy. Wielokrotnie komentowano także niezwykłe użycie fagotów w wysokiej melodii otwierającej melodię, podobnie jak „agresywne” pulsujące rytmy, które najwyraźniej zainspirowały mężczyznę siedzącego bezpośrednio za krytykiem muzycznym Carlem Van Vechtenem, aby zaczął walić w notkę głowa dziennikarza. Podczas gdy po przedstawieniu Święta wiosny nie doszło do zamieszek, tak jak miało to miejsce podczas premiery, publiczność jest nadal zaniepokojona, przerażona i zachwycona kompozycją, w tym pokoleniami dzieci, które na zawsze utożsamią kompozycję orkiestrową z pokojowymi roślinożernymi dinozaurami terroryzowanymi przez grasujący Tyrannosaurus Rex w Disney's Fantasia.

1950-1990: Ameryka Łacińska i Półwysep Iberyjski, „Nueva Canción” (nowy ruch pieśni)

Nueva canción był ruchem muzycznym, który rozpoczął się prawie jednocześnie w Argentynie, Chile i Hiszpanii, i rozprzestrzenił się na Półwyspie Iberyjskim w Europie i wszędzie w Ameryce Łacińskiej. Jego wysoce polityczne teksty, nawiązujące do muzyki tradycyjnej dla danego regionu, odzwierciedlały niepokój ludów iberyjskich pod dyktaturą Hiszpanii Franco i autorytaryzm Portugalii Salazar, podczas gdy w Ameryce Łacińskiej nueva canción skupił się na wzruszeniu ostatnich pozostałości Europy kolonializm.

Zarówno w Europie, jak i Ameryce Łacińskiej muzyka była integralnie związana z rewolucyjną polityką i ruchami robotniczymi. Muzycy byli często uwięzieni, „znikali”, wygnani, torturowani i rażąco zamordowani przez różne prawicowe dyktatury za swoją muzykę. Chilijska autorka tekstów Víctor Jara znacznie przeżyła swojego kompozytora - podczas zamachu stanu Pinocheta w Chile Jara został zabrany wraz z tysiącami innych protestujących na stadion Chile, gdzie był torturowany i zastrzelony. Pod rządami Pinocheta nagrania Nueva Canción zostały zajęte i zniszczone, a stacjom radiowym zabroniono odtwarzania muzyki. Nawet tradycyjne instrumenty andyjskie zostały zakazane, próbując całkowicie stłumić muzykę Nueva Canción. Ten okres w historii chilijskiej znany jest jako kulturalny apagón - kulturalna zaciemnienie.

Jednak, jak wielokrotnie pokazywała historia, interwencja polityczna i tłumienie nie zawsze niszczą piosenkę lub pomysł. Czterdzieści lat po pierwszym nagraniu chilijska autorka tekstów Violeta Para „Gracias a la Vida” („Dzięki życiu”) znalazła nowe życie jako hymn ukraińskiej pomarańczowej rewolucji, wyraźnie widoczne po drugiej stronie planety. Tymczasem argentyński piosenkarz Atahualpa Yupanqui przeszedł z politycznego wygnania ze swojej ojczyzny w 1931 r. Na zaproszenie rządu francuskiego do napisania utworu upamiętniającego 200. rocznicę rewolucji francuskiej w 1989 r.

Lata 60. XX wieku: ruch praw obywatelskich USA

Być może nie ma w USA piosenek protestacyjnych bardziej znanych publiczności niż te Ruchu Praw Obywatelskich. Wynika to prawdopodobnie z faktu, że większość piosenek uważanych obecnie za oficjalny kanon Praw Obywatelskich została przekształcona w standardy przez jednych z najlepszych wykonawców bluesa, jazzu i muzyki ludowej XX wieku.

Mimo że poprzedza ona sam ruch na rzecz praw obywatelskich, utwór Billie Holiday „Dziwny owoc”, piosenka o linczowaniu, jest przez wielu uważany za oficjalną piosenkę tego ruchu. Mimo że singiel został zakazany z fal radiowych w momencie wydania w 1939 roku, był tak niesamowity, potężny, że sprzedał się w ponad milionie egzemplarzy. W 1965 roku Nina Simone nagrała własną mocną, surową wersję piosenki, co spowodowało, że niektórzy krytycy muzyczni natychmiast nazwali ją „Song of the Century”. Mroczny, nastrojowy utwór jazzowy Johna Coltrane'a „Alabama” został napisany po tym, jak usłyszał o cztery małe dziewczynki zabite podczas zbombardowania kościoła w Birmingham w Alabamie i mogą być jedną z niewielu rozpoznawalnych piosenek protestacyjnych bez tekstów.

I odwrotnie, inną piosenką, która była przykładem Ruchu na rzecz Praw Obywatelskich, była niezwykle radosna piosenka Curtisa Mayfielda „People Get Ready”, która zawierała podstawowe przesłanie, że dobre czasy są tuż za rogiem, więc lepiej przygotuj się na nie. Również na ten temat napisał „A Change Is Gonna Come” Sama Cooke'a, rzekomo zainspirowany jego własnymi doświadczeniami, próbującymi występować w miejscach tylko dla białych w całej Ameryce. Te uczucia znajdują również odzwierciedlenie w tekstach hymnu kontrkultury piosenkarza Boba Dylana, „The Times They Are A-Changin '”. Ale być może żadna piosenka nie powiedziała tego lepiej, głośniej ani odważniej niż ten szczery działacz społeczny i samozwańczy przywódca ruch afroamerykański, James Brown. Brown napisał „Powiedz głośno, jestem czarny i jestem dumny” podczas podróży do Wietnamu, aby zabawiać żołnierzy. Ta piosenka stała się hymnem Ruchu Praw Obywatelskich dzięki wielu permutacjom po dziś dzień.

1980: Estonia Singing Revolution

Być może jedną z najbardziej niesamowitych rewolucji ostatnich lat była Estońska Śpiewająca Rewolucja, która osiągnęła swój cel uniezależnienia się od Związku Radzieckiego głównie pokojowymi i pokojowymi środkami.

Pod okupacją Rosji - później Związku Radzieckiego - przez stulecia Estończykom zabroniono śpiewać tradycyjne piosenki, a nawet mówić w ich języku. Jednak zamiast pozwolić swojej rodzimej kulturze umrzeć pod tym zajęciem, mieszkańcy Estonii utrzymywali w tajemnicy swoje piosenki, literaturę i język, aż do 1869 r., Kiedy to wydawca Johann Voldemar Jannsen zorganizował pierwsze Święto Pieśni w ramach podziemnego estońskiego ruchu narodowego . W pierwszym festiwalu wzięło udział ponad 800 śpiewaków, a wszystkie piosenki śpiewano w języku estońskim.

Rosyjskie władze nie przywiązywały dużej wagi do festiwalu, być może dlatego, że zbyt wiele osób uczestniczyło w pokojowym festiwalu, aby mogli odpowiedzieć w jakikolwiek sposób, który nie przyniósłby im naprawdę złej reklamy. W ciągu kilku lat zorganizowano drugi i trzeci festiwal, a do czwartego festiwalu w 1891 r. Kobiety również brały udział w chórach. Kilka lat później dołączyły do ​​nich setki dzieci i do tego czasu nikt nie był w stanie powstrzymać Estonii przed śpiewaniem.

Chór stale rozrastał się podczas I wojny światowej, II wojny światowej, przeżywając kilka gwałtownych i przerażających kampanii propagandowych skierowanych do śpiewaków i estońskiego nacjonalizmu w ogólności przez Stalina. Pomimo groźby aresztowania i uwięzienia w ramach nowego ZSRR, od 20 000 do 30 000 śpiewaków naraz pojawiało się, aby wyśpiewywać buntowniczo estońskie pieśni ludowe każdego roku, a reszta kraju napływała na tereny targowe, aby oglądać i śpiewać. Podnosząc nad nimi zakazaną estońską flagę podczas śpiewania, występy były spokojne i pozbawione przemocy, nawet w najgorszych czasach.

W 1988 r. Muzycy z Tartu Pop Music Festival wnieśli oryginalny materiał, a także śpiewali zakazane tradycyjne piosenki, wyzwalając poczucie tożsamości narodowej, w której dziesiątki tysięcy członków publiczności łączyły ręce i śpiewały razem. Na kolejnych festiwalach pojawili się politycy z całego świata, którzy wsparli sprawę Estonii i byli świadkami festiwali śpiewu, zwłaszcza chórów, które urosły do ​​10% populacji Estonii.

W 1991 r., Po tym, jak Kongres Estoński i Rada Najwyższa formalnie odrzuciły sowieckie ustawodawstwo i ogłosiły Estonię niepodległym państwem, radzieckie czołgi wkroczyły do ​​republiki, starając się stłumić estoński ruch nacjonalistyczny. Radzieckie czołgi specjalnie celowały w wieże radiowe, które nadawały muzykę estońską, aby wzmocnić populację, a setki Estończyków zemściły się, tworząc wokół pokojowych stacji radiowych ludzką tarczę, której czołgi nie były w stanie przebić, nie wzbudzając gniewu wojskowego reszty świata . W tym samym roku nowe rosyjskie kierownictwo formalnie uznało niepodległość Estonii i innych państw bałtyckich.

2010-2012: Arabska wiosna

Pomimo faktu, że w wielu krajach arabskich śpiew i taniec są uważane za haniebne, muzyka popularna, szczególnie hip-hop i rap, rozwija się jako podziemny ruch muzyczny. W latach 90. arabskie społeczności spoza Bliskiego Wschodu, zwłaszcza w Niemczech i Francji, nawet założyły wytwórnie specjalizujące się w rapowej muzyce tureckiej, palestyńskiej i tunezyjskiej, z udziałem wykonawców, którzy nie otrzymali żadnej audycji radiowej w swoich krajach i byli ledwo znani poza nimi ich bezpośredniej bazy fanów. Amerykańska muzyka hip-hopowa i rapowa została również przemycona do stanów arabskich, gdzie fani kontrabandowego gatunku wykonali wiele kopii, by przekazać je znajomym.

Wiele z tego zmieniło się wraz z Arabską Wiosną, która rozpoczęła się, gdy protestujący w Tunezji obalili prezydenta Zine El Abidine Ben Alego. Niemal z dnia na dzień podobne protesty wybuchły w Egipcie, Jemenie i Maroku, z których większość była organizowana przez młodych mężczyzn i kobiety, którzy czuli, że nie mają głosu w rządzie złożonym ze starzejących się teokratów. Jednym z wielu wielokrotnie podnoszonych zagadnień była cenzura sztuki, muzyki i kultury młodzieżowej, w wyniku czego być może najbardziej trwałym wrażeniem świata arabskiego na temat wiosny arabskiej były setki koncertów muzycznych, które wybuchły spontanicznie na całym Bliskim Wschodzie. Raperzy z Arabii Saudyjskiej, tacy jak Dark2Men, wystąpili publicznie po raz pierwszy bez obawy o natychmiastowe uwięzienie, podobnie jak El General w Tunezji, El Haqed w Maroku i DAM Palestyny.

Podczas gdy wiele celów Arabskiej Wiosny wciąż nie zostało zrealizowanych, tak się stało, że muzyka protestacyjna państw arabskich z powodzeniem dotarła zarówno do miejscowej ludności, jak i do reszty świata. Wiele arabskich zespołów ma teraz kanały YouTube, które są regularnie aktualizowane o nowe piosenki i filmy, co daje im bezpieczeństwo posiadania widowni, która wie, że istnieją. Muzyka hip-hopowa Arabskiej Wiosny stała się głosem oporu, który dotyczy ubóstwa, przemocy, zażywania narkotyków i nierówności społecznych.